Für einen sorgfältigen Lehrplan für Fortgeschrittene

Methodik und Didaktik für Fortgeschrittene ist genauso wichtig wie die für Anfänger. Ich finde es nicht richtig, dass  man den fortgeschrittenen Schüler nicht mit der gleichen pädagogischen Sorgfalt behandelt wie den Anfänger. Doch gerade im fortgeschrittenen Unterricht entscheidet sich, ob der Schüler weiter macht oder sich für "austherapiert" hält und kündigt. 

Als Musikpädagoge macht man sich Gedanken darüber, wie man dem Schüler möglichst schnell möglichst viel Können und Wissen vermitteln kann. Man sollte sich aber auch Gedanken darüber machen, wie sich der Schüler langfristig entwickeln kann. Die Grundbedingung für Langfristigkeit ist, dass der Schüler im Unterricht bleibt und nicht kündigt. An anderer Stelle habe ich beschrieben, dass die durchschnittliche Verweildauer im Unterricht ca. 3 Jahre beträgt, egal wie sehr sich der Lehrer müht. Ich möchte das insofern relativieren, als dass ein gut überlegter, qualitativ hochwertiger Unterricht im Fortgeschrittenen-Stadium die Lehrzeit durchaus verlängern kann. 

Viele Methoden und Lehrpläne konzentrieren sich sehr stark auf den Anfangsunterricht und verlieren im weiteren Verlauf an pädagogischer Qualität, an Gründlichkeit, an Systematik und an Einfühlungsvermögen in die Situation des Schülers. Ein Beispiel: Im gewöhnlichen klassischen Anfangsunterricht (Solospiel) lernt der Schüler wohl dosiert aller 14 Tage einen neuen Ton in der ersten Lage. In den oberen Lagen bekommt er aber später als Fortgeschrittener die Töne nur noch kommentarlos aufgetischt bzw. "untergejubelt". Man geht stillschweigend davon aus, dass der Schüler die feinfühlige und bedachte Didaktik der ersten Monate nicht mehr braucht. Dafür gibt es meiner Meinung nach aber kein Argument, außer vielleicht, dass im Fortgeschrittenen-Stadium nur noch jene Schüler übrig geblieben sind, die sich Töne und Noten so schnell merken können, dass sie keine Lerndosierung nötig haben. 
Das ist vergleichbar mit einer Bergwanderung, deren Schwierigkeit im Verlauf zunimmt. Sowas ist für die meisten eine frustrierende Erfahrung. Es ist wie in einem K.O.-Wettbewerb. Besiegt man einen Gegner und freut sich darüber, weiß man, dass der Lohn dafür ein schwererer Gegner sein wird. Das Prinzip der zunehmenden Schwierigkeit fördert die Auslese, bis keiner oder nur noch einer übrig bleibt. So etwas sollte in der Pädagogik keinen Platz finden. 

Es besteht keine Notwendigkeit, dass die Stufen innerhalb eines Lehrplans immer größer werden. Eher ist dies die Folge von nachlassender Gründlichkeit und fehlender Kontinuität seitens des Lehrplangestalters. Auch im Fortgeschrittenen-Unterricht hat der Schüler ein Recht auf saubere Didaktik und Methodik, auf gleichbleibende Schrittlänge und lückenlose Erklärung. Möglicherweise ist die nachlassende Sorgfalt einer der Gründe, weswegen Schüler den Unterricht aufgeben. "Ich komme nicht mehr hinterher", "Es wird mir zu kompliziert" - wenn das geäußert wird, dann stimmt irgendetwas am Plan nicht. Eher selten hört man bei Fortgeschrittenen: "Es ist mir zu langweilig.", "Es ist mir zu einfach.", "Es geht mir zu langsam voran.". 

Es gibt für mich auch keinen vernünftigen Grund anzunehmen, dass der Schüler mit zunehmendem Können immer mehr üben müsste. Eher umgedreht scheint dieser Glauben die Folge eines an Kontinuität verlierenden Unterrichtes in der fortgeschrittenen Phase zu sein. Wenn der Schüler nicht mehr üben würde als vorher, käme er den Anforderungen nicht mehr nach. Die Lehrplangestalter gehen also davon aus, dass der Schüler mehr übt. Ja, sie zwingen ihn dazu, und das ist nicht konsequent. Die Lernschritte müssen gleich groß bleiben. Ein Schüler, der mehr übt als vorher, kommt dadurch schneller voran. Ein Schüler, der quantitativ nicht mehr übt als vorher, sollte aber weiterkommen dürfen - in dem Tempo, in dem er bisher auch weiter kam.  

So wie in der Erziehung klare Ansagen, ein kontinuierlicher Stil und Berechenbarkeit am ehesten zu positiven Effekten beim Kind führen, führt auch ein in Form und Gründlichkeit kontinuierliches Lehrverfahren zu optimalen Ergebnissen. Schüler lieben es, neue Dinge zu erfahren, Zusammenhänge zu begreifen und ihr Wissen und ihre Fähigkeiten wachsen zu sehen. Sie lieben das System, weil es ihnen hilft und weil es Ordnung im Kopf schafft.

Eine mögliche Ursache für das Nachlassen der pädagogischen Sorgfalt  mit steigendem Niveau des Schülers ist die deutlich geringere Zahl an Fortgeschrittenen im Vergleich zu Anfängern. Wie ich eingangs andeutete, kann sich dies zu einem gewissen Teil gegenseitig bedingen. Weniger Schüler -> weniger Sorgfalt -> noch weniger Schüler.  
Wenn man sich den Markt für Lehrmaterial anschaut, erkennt man ein Abbild dessen. Unzählige Lehrwerke beschäftigen sich mit dem Anfangsunterricht. Klar: Es gibt sehr viele Interessenten, viele Anfänger, aber demgegenüber recht wenige Fortgeschrittene. Kein Verlag investiert gern in Lehrwerke, die sich an eine kleine Zahl von Käufern richten. Ein Musikerkollege von mir hat sich einmal mit einer Sammlung von Gitarren-Solostücken an einen Verlag gewandt und bekam eine Absage: "Gut, aber zu kompliziert, das kaufen zu wenige.".

Was sich im Fortgeschrittenen-Unterricht definitiv rächt, sind Lücken in der Grundausbildung. Am häufigsten sind das rhythmische Schwächen und technische Unzulänglichkeiten. Gerade im klassischen Anfangsunterricht (Melodiespiel) wird gerne mal übersehen, dass der Schüler Rhythmus nicht liest, sondern hört. Bekannte Stücke kommen ihm dabei gelegen. Das geht nicht lange gut. Das flüssige Rhythmuslesen ist Grundbedingung für Blattspiel. Blattspiel wiederum ist Grundbedingung für effektive Aneignung neuer Inhalte. Es ist genau so wie in der Schule. Lesen-Schreiben-Rechnen sind das Handwerkszeug für die höheren Fächer. 
Je länger man eine ungünstige Technik benutzt, desto frustrierender ist später die Veränderung der Gewohnheit zugunsten eines Fortschrittes. Lernen ist gut, Umlernen ist schlecht. Es ist nicht möglich, dem Gitarrenanfänger eine perfekte Technik zu vermitteln. Aber es ist möglich, ihn vor den schlimmsten Fehlern zu bewahren. Sowohl die rhythmische als auch die technische Grunderziehung kosten am Anfang Zeit und Nerven. Aber am Anfang ist der Schüler noch "erziehbar". 

Der Schüler spürt Freude, wenn er mit dem Rüstzeug eines guten Anfangsunterrichtes in der fortgeschrittenen Phase kontinuierlich weiter kommt. Dazu muss der Lehrplan so sorgfältig bleiben, wie er es im Anfangsunterricht ist. Theoretisch kann es dann auch nicht passieren, dass ein Schüler nicht mehr besser wird. Wenn doch, dann stimmt irgendetwas im Lehrplan nicht. Entweder am Anfang oder eben auch in der fortgeschrittenen Phase.

Achtung Kapodaster!

Der Kapodaster ist viel mehr als nur ein Hilfsmittel für Anfänger, die mit Barréakkorden Schwierigkeiten haben. Er ist ein Klangverbesserer und ein Kreativwerkzeug für fortgeschrittene Spieler. Und auch für Anfänger ist er mehr als nur ein Transpositionswerkzeug.    

Am Flughafen Berlin-Schönefeld wurde ich im Zuge einer kleinen Flugreise letztens aufgefordert, mein Handgepäck auszupacken. Grund war ein Gegenstand, der den Sicherheitsbeamten unbekannt war: Ein Zangen-Kapodaster. Ich hatte vergessen, ihn ins Fluggepäck zu legen, denn mir war im Vorfeld schon klar, dass so ein pistolenähnliches Gerät zu Problemen in der Sicherheitskontrolle führen kann. Die Beamten ließen sich erklären, wofür der Kapodaster gebraucht wird, glaubten es und ließen mich gewähren.

Man kann dem Sicherheitspersonal sein Unwissen nicht verübeln. Aber für mich ist es ein Aufhänger, darüber nachzudenken, wie Gitarristen zu diesem Gegenstand stehen. Ich selbst habe bis vor ein paar Jahren gedacht, dass ein Kapodaster für Anfänger gedacht ist, die Schwierigkeiten mit Barrégriffen haben. Tatsächlich trifft man den Kapodaster fast immer nur bei Singer/Songwritern an. Für Sänger kann ein Halbton höher oder tiefer für das Erreichen des Tonumfangs und den Klang ihrer Stimme entscheidend sein. Dabei kommen Tonarten ins Spiel, die Gitarristen meiden. Ein versierter Gitarrist hat nicht direkt Angst vor Tonarten wie F-Dur oder Bb-Dur. Er spielt barré und ab und an finden sich auch in diesen Tonarten Leersaitenvoicings. Dass ein E-Gitarrist einer Band mit Kapodaster spielt, sieht man jedenfalls selten. Sind Stolz und Eitelkeit der Grund?
Wie gesagt, ich selbst habe den Kapodaster immer mit Verachtung gestraft, weil er mir wie eine Krücke vorkam. Doch genau das stimmt nicht. Klanglich und spielerisch gesehen macht es einen großen Unterschied, ob Leersaiten (durch Kapodaster verändert) verwendet werden oder nicht. Ich behaupte, dass ein mit einem Kapodaster befestigter Ton stabiler und länger klingt, als ein mit Finger gegriffener.

Der Kapodaster für den Anfänger

Der Kapodaster ist nützlich für den Anfänger. Hauptsächlich in zweierlei Hinsicht.

Erstens: Man kann mit dem Kapodaster Barréakkorde ganz oder teilweise vermeiden. In der Tonart G-Dur kommt man bis auf die Dominantparallele (Hm) in der Regel mit Leersaitenakkorden aus. Die Tonarten D-Dur und A-Dur folgen in der Barréhäufigkeit der Stufenakkorde und Zwischendominanten. So kann man sich je nach Bedarf mit dem Kapodaster durch sämtliche Tonarten hangeln, ohne im Laufe eines Stückes infolge vieler Barréakkorde zu verkrampfen. An dieser Stelle möchte ich bemerken, dass es keineswegs nur ein Anfängerproblem ist, wenn Barréakkorde auf Dauer schmerzen. Je nach Saitenlage und Saitenspannung des Instrumentes und je nach Lage belastet die Handhaltung bei Barrégriffen Muskulatur und Sehnen so sehr, dass ein dauerhafter Gebrauch schmerzt und sogar zu Verletzungen führen kann. 
Der Anfänger, der meist auch nicht das hochwertigste Instrument hat, verliert in F- oder Bb-Dur definitiv den Spaß am Spielen. 


Zweitens: Mit dem Kapodaster kann man die Mensur auf ein Maß verkürzen, das die Ergonomie verbessert und die richtige Spieltechnik vereinfacht. Gemeint ist, dass man die I.Lage vorverlegen kann. Dadurch kann die linke Hand in idealer klassischer Haltung (saitenwärtig) greifen, ohne im Handgelenk einknicken zu müssen. Die Grundgelenkreihe der Finger ist natürlicherweise parallel zum Gitarrenhals, denn Arm und Hand sind so nah am Körper wie  im Normalzustand, z.B. beim Gehen. Sofern man die Gitarre auf dem rechten Bein lagert, gilt das nicht in dem Maße, denn dann ist der Hals sowieso weiter nach rechts verschoben, demzufolge auch die I. Lage. Über die Gründe, diese Haltung nicht im Anfangsunterricht zu verwenden, schreibe ich später noch einen Beitrag.


Ich habe auch schon billige Instrumente gesehen, die eine ziemlich hohe Saitenlage hatten, welche im Sattel korrigiert werden müsste. Solange man nicht den Gitarrenbauer oder den interessierten Heimwerker beauftragen will, kann ein Kapodaster im ersten oder zweiten Bund die Spielbarkeit deutlich erhöhen. Das gleiche gilt für schiefe Hälse im unteren Bereich. Bevor hunderte Euro für ein neues Instrument bereitgestellt sind, hilft erstmal der Kapodaster für maximal 15 Euro weiter.
Manchmal kommen Kinder mit einer zu großen Gitarre in den Anfangsunterricht. Wenn der Korpus nicht viel zu groß ist, kann auch hier der Kapodaster einen Kompromiss ermöglichen. Je nach Größe und Wachstum des Kindes gehe ich dann von der 5.Lage schrittweise nach unten. 

Der Kapodaster für den Fortgeschrittenen

Der Kapodaster vereinfacht nicht nur das Spielen, sondern er schafft auch neue Möglichkeiten für den erfahrenen Spieler. Es ist klanglich reizvoll, Leersaitenakkorde in einer höheren Lage zu spielen. Je höher die Lage, desto ähnlicher wird der Klang einer Ukulele oder bei Stahlsaiten einem Banjo. Wenn man in diesen hohen Lagen diese Griffe mit Barré erzeugen würde (was oft nicht leicht ist), dann würden sie dennoch etwas anders klingen. 
Die fehlende Tiefe der Basssaiten ist fraglos ein Nachteil beim Einsatz des Kapodasters - speziell im Solospiel mit Fingern. Das leitet über zu der "teilweisen" Verwendung eines Kapodasters - z.B. nur auf den oberen 4 Saiten. Würde man den Kapodaster z.B. im zweiten Bund auf die oberen 4 Saiten setzen, entstünde bei Leersaitenanschlag ein A6-Akkord, was einer typischen Stimmung für den Einsatz eines Bottlenecks nahe käme. Oder man stimmt die tiefe E-Saite um einen Ton auf D und befestigt den Kapodaster auf den oberen 3 Saiten im 2.Bund. Die leeren Saiten der Gitarre ergeben so einen D-maj7-Akkord. Die klanglich immer vorteilhaften Leersaitenakkorde in höheren Lagen ergeben so ganz neue Harmonien. 
Wer sensibel für Tonarten und Tonhöhen ist, wird auch feststellen, dass Stücke einen halben Ton höher irgendwie anders klingen können - oft besser, manchmal schlechter. Und da meine ich nicht die Stimmlage eines Sängers, sondern den Gitarrenklang an sich. Schon allein die mit zunehmender Tonhöhe konsonanter klingenden Intervalle liefern Argumente. Ein Durakkord mit großer Septime z.B. klingt ein paar Halbtöne höher besser als in der ersten Lage. Je tiefer die Septime im Akkord liegt, desto schwerer fällt es ins Gewicht. Manchmal liegt das Geheimnis der besseren Lage auch in der Gitarre selbst, z.B. in spezifischen Resonanzen.     
Einen Tipp für fette Akustik-Rhythmusgitarren habe ich mal irgendwo im Netz aufgeschnappt: Einfach alle Parts mit Kapodaster im 12.Bund ein zweites Mal einspielen und dazumischen. Das Ergebnis kommt einer 12-String-Gitarre nahe.
Praktisch gesehen kann der Kapodaster auch in gewissem Umfang wie eine Transpositionstaste am Piano eingesetzt werden. Solche Situationen kennt jeder Gitarrist, der auf Sessions mit Sängern zusammen spielt, die notierte Originaltonarten für sich angepasst haben.  

Fazit: Der Kapodaster ist für mich mittlerweile ein fester Bestandteil des Inventars. Im Unterricht, beim Singen und Begleiten, beim solistischen Experimentieren und auch beim Einspielen von Rhythmusgitarren. Ich würde ihn mehr vermissen als ein Plektrum. 

Musik - Technik - Kommerz

Populäre Musik war schon immer an technische Entwicklung gekoppelt. In Produktion und Weitergabe gleichermaßen. Deswegen ist die populäre Musik ein Spiegelbild der digitalen Entwicklung. Das Internet hat die Popwelt verändert, aber auch die Leistungsfähigkeit von Computern und Software hinterlässt in jedem Genre Spuren. 

Seit der Jahrtausendwende wird mit Musik weniger Geld verdient, wenngleich sich durch neue digitale Verkaufsformen (Streaming) derzeit eine kleine Aufwärtsbewegung vollzieht. Ich denke, dass zumindest beim Musiker selbst immer weniger ankommt, auch wenn es noch einige wenige Musiker gibt, bei denen relativ viel ankommt. Die Menschen gaben vor 15 Jahren mehr Geld für Musik aus als heute, aber das ist nicht der einzige Grund. Die Musikproduktion ist immer einfacher und billiger geworden und damit nimmt die Menge von Werken drastisch zu. Zudem sind die Werke leichter zu verbreiten und zu vervielfältigen. Ein Teil der Musik - speziell die elektronische Tanzmusik - ist infolge der vielen Wiederholungen, der maschinellen Prozesse und der Verwendung von Samples nicht nur einfacher sondern deutlich schneller produzierbar.

Der Preis verfällt, weil (selbst gute) Musik inflationär wird. Speziell trifft dies Instrumentalmusik, denn deren Produktion ist noch einmal deutlich einfacher als das gesungene Lied mit Text. Ob als Dance-Music, Ambient oder Filmmusik. Produzierte Instrumentalmusik gibt es wie Sand am Meer. Aber als eigenes Genre tritt es im Umsatzbericht der Musikindustrie gar nicht auf. Höchstens als Teilmenge der 7% Dancemusic, obwohl auch da ein großer Teil Vocalparts hat. 
Für das mit großem Abstand am meisten gekaufte Genre "populäres Lied" ist ein gesungener Text unerlässlich. Über die Bedeutung des Textes für einen Song kann man streiten. Ich persönlich glaube, dass vor allem die Instrumentalmusiker die Wichtigkeit der "Message" für das Publikum unterschätzen. Je mehr man sich mit Musik und Klang beschäftigt, desto mehr gerät außer Sichtweite, dass für die allermeisten Hörer Musik kein Selbstzweck ist, sondern eine jeweilige Funktion hat: Tanzen, Entspannen, Frust abreagieren, Texte hören, Gemeinschaft und Zugehörigkeit fühlen, Stars vergöttern, Lachen, Weinen usw.. Die Identifikation mit dem Interpreten und seinem Werk ist von großer Bedeutung - der Künstler, sein Aussehen, seine Story, seine Interviews usw..

Dass Songs heute digital produziert werden, weiß jeder - das ist kein Thema. Nach meiner Erfahrung wird das zunächst nicht unbedingt einfacher, je mehr Technik ihm zur Verfügung steht. Für Stilbildung ist eine gewisse Begrenzung notwendig. Das können begrenzte spielerische Fähigkeiten sein, Grenzen der Vorstellungskraft, Grenzen, die der eigene Geschmack setzt und die Grenzen der zur Verfügung stehenden Technik bzw. deren Beherrschbarkeit.
Die Entwicklung der Popmusik ist in erheblichem Maße an die Musiktechnologie gebunden, weswegen die Grenzfelder der Technik bisher die Goldminen neuer Ideen waren. In der digitalen Musikwelt sind jedoch die Grenzen auf den ersten Blick außer Reichweite geraten. Die Musik einer Band oder eines Produzenten muss mehr denn je Originalität haben, um wahrgenommen zu werden. Da heute schon ein handelsüblicher PC mit etwas Freeware eine unglaubliche Produktionsvielfalt bietet, besteht die Kunst umso mehr darin, Unverwechselbarkeit zu schaffen. 

Synthesizer (Hard- und Software) sind komplexer geworden. Oft verbergen sich hinter üppig klingenden Sounds eine unübersichtliche Menge an Parametern. Manche Synthesizer bieten Macro-Controller an, die Sounds verändern, ohne dass der Anwender noch weiß, was sich genau verändert. Es dürfte für einen jungen Menschen mühsam sein, sich durch die Synthesizerarchitektur zu arbeiten, vor allem, weil es viel Wissen erfordert, das sich im Laufe der Jahrzehnte zum Thema Klangsynthese angehäuft hat. Die beinahe logische Folge sind Musikstile wie Dubstep bzw. Brostep, bei denen die Tracks wesentlich durch die Aneinanderreihung vieler Synthesizer-Presets entstehen. Das ist insofern interessant, weil damit eben doch wieder an der oben zitierten "Grenze" gearbeitet wird. Vor ein paar Jahren waren die CPUs handelsüblicher PCs nicht in der Lage, mehr als 10 Softwaresynthesizer zu laden. Das Umschalten zwischen Presets sorgte für Latenzen und Artefakte. Collagen aus Samples sind seit Jahrzehnten nichts neues. Heute ließen sich zwar angesichts der Festplattengrößen riesige Sammlungen aufbauen, aber es bleibt bei Samples das Grundproblem, sie aufeinander klanglich abzustimmen. Beim Umschalten zwischen Presets eines Synthesizers ist das ein geringeres Problem. Deswegen ergeben sich neue ungehört harmonisch wirkende Klangkombinationen, in denen blitzschnell Sounds ein - und desselben Gerätes aufeinander folgen. Während es in etwas älteren elektronischen Musikstilen eher darauf ankam, Sounds übereinander zu mixen, machen aktuelle Stile das ganze Gegenteil. Sie mixen nacheinander in einer unglaublichen Geschwindigkeit und Vielfalt. 

Fraglos hat das Ergebnis jeglichen kreativen Umgangs mit dem Musikrechner mit dem Spielen von Instrumenten nicht mehr viel gemein. Meist zeigt sich das auch in der Abwesenheit der aus der gespielten Musik bekannten Strukturen wie Melodie, Harmonie, Strophe, Refrain usw.. Mir scheint das aber eher als eine Befreiung denn als ein Übel. Mittlerweile treten sich alle lebenden und toten Komponisten und Songschreiber in ihrem Anspruch nach Einzigartigkeit gegenseitig auf die Füße - meistens ohne es zu wissen und zu wollen. Ein Streit zwischen Lana del Rey und Radiohead machte das vor kurzem deutlich. Lana del Rey wurde seitens Radiohead der Vorwurf gemacht, einen Song in wesentlichen Teilen kopiert zu haben. Meine Meinung dazu ist, dass sie den Radiohead-Song nicht kannte. Sie hätte Diebstahl nicht nötig. Die Harmoniefolge war einfach zu einladend. Sie wird millionenfach von Songwritern verarbeitet worden sein. Dass dabei irgendwann fast gleich klingende Melodien entstehen, ist mathematisch-statistisch gesehen eine Frage der Zeit.

Dass viele moderne Popmusik keine gespielte Musik ist, hat eine anderes Phänomen zur Folge. Wie eingangs erwähnt, gibt es ein Absatzproblem bei Tonträgern. Während vor dem MP3-Zeitalter eine Live-Tournee das Tonträgergeschäft unterstützen sollte, ist es heute genau umgekehrt. Der Tonträger soll ins Konzert locken, denn das ist zur wesentlichen Einkommensquelle der Musiker geworden. So schwierig die Produktion eines Tonträgers früher für live spielende Musiker war, so schwierig ist heute die Produktion eines Livekonzertes für Musiker, die ihre Songs am Computer bzw. in einem digitalen Studio produzieren. Man muss in der Produktionsphase bedenken, ob und wie ein Projekt bühnentauglich gemacht werden kann. Man kann das mit dem Unterschied zwischen Kinofilm und Theaterstück vergleichen. 
Das Problem kann schon bei einer ganz normalen Gitarren-Rockband beginnen. Der heutige Soundstandard einer Produktion kann nur mit wesentlichen Eingriffen in den Originalsound erreicht werden. Schlagzeugsounds werden ausgewechselt,  das Timing gerade gerückt, der Gesang zurechtgestimmt und aufgeplustert. Schon allein das kann zu großen Unterschieden zwischen Produktion und Live-Performance führen. Eine "ehrliche", effektfreie  Produktion einer  Rockband hat es heute schwer, Aufmerksamkeit zu erlangen. Die Hörgewohnheiten sind mit dem technischen Standard gewachsen. Bei nicht wenigen Bands findet der Live-Auftritt in einem engen Korsett technischer Hilfsmittel statt. In dem Moment, wo ein Sequenzer mit läuft, muss man mit Klick spielen. Außerdem gibt es dann keine Freiräume mehr für spontane Formveränderung, für Temponuancen oder Fermaten. Die Musiker sind weniger frei und gleichen ihren Kollegen aus der Klassik, die streng nach Vorschrift zu funktionieren haben. 

Wenn man mal Aufnahmen von Woodstock oder Isle of Wight mit einem modernen Festival vergleicht, dann wird das extrem deutlich. Bei aktuellen Bands weiß man manchmal gar nicht mehr, wo der Sound herkommt, denn mindestens der Keyboarder spielt Vorgefertigtes ab wie ein DJ. Schlagzeuger benutzen Pads und rufen Samples ab. Beim Hip Hop ist das Halbplayback völlig normal. In EDM (Electronic Dance Music) dann  das Vollplayback. Mag sein, dass dem DJ mit den heutigen Geräten zahlreiche Eingriffsmöglichkeiten in den fertigen Track zur Verfügung stehen, aber ich sehe es als reines Alibi, um auf der Bühne irgendwie "aktiv" zu wirken. Die Essenz kommt selbstverständlich "vom Band".

Allerdings finde ich, dass sich Popmusik nur im technischen Bereich weiterentwickeln kann. Neue Entwicklungen im Bereich der Form, der Rhythmik und der Tonalität sind entweder nur technisch realisierbar oder mindestens technisch inspiriert. Die Rhythmik von Drum&Bass beispielsweise lässt sich auf das schnelle Abspielen von Drumgroove-Samples aus Funk und Soul zurückführen und sie hat das moderne Schlagzeugspiel beeinflusst. 
Wie in so vielen Bereichen in Alltag, Arbeitswelt oder Kunst stehen wir oft vor der Frage, was den Menschen von der Maschine unterscheidet. Ich bin insofern optimistisch gestimmt, dass ich die Maschine auch in Zukunft nicht über den Rang eines Werkzeug hinaus kommen sehe. Zumindest gegenüber den Menschen, die sich nicht selbst auf das Niveau der Maschine begeben und ihr Denken den maschinellen Prinzipien anpassen.  


Unglaublich "guter" Musikunterricht an Schulen

In Sachsen wird über die Kürzung des Musikunterrichtes an Schulen diskutiert. Ich bin dafür, die Stundenanzahl beizubehalten, aber den Lehrplan zu kürzen. Der Musikunterricht steht vermutlich exemplarisch für ein Schein-Niveau der Schülerleistung, speziell in der höheren Bildung. 

Durch meine Gitarrenschüler und auch durch meine Kinder komme ich mit dem Schulunterricht im Fach Musik in Berührung. Drei bemerkenswerte Dinge fallen mir in den Schilderungen auf. 
1. Es findet wenig oder schlimmstenfalls gar kein Musikunterricht statt weil Lehrer fehlen. 
2. Es wird wenig und in höheren Klassen gar nicht mehr gesungen. Wenn gesungen wird, dann Lieder, von denen ich mir nicht vorstellen kann, dass sie wirklich gemeinsam gesungen werden können. 
3. An Gymnasien scheinen manche Musiklehrer extrem ambitioniert zu sein, denn sie haben Lehrplaninhalte, bei denen ich als Musikpädagoge mit Lehrpraxis aufhorche.

Zu 1.: Lehrermangel ist in Sachsen ein generelles Thema, das ich hier nicht erörtere.

Zu 2.: An anderer Stelle habe ich darauf hingewiesen, wie wichtig ich das (gemeinsame) Singen finde zur Ausbildung grundmusikalischer Fähigkeiten wie Rhythmusgefühl, Tongedächtnis und Gehör. Das Grundproblem ist relativ schnell umrissen. Durchgängig gut singbare Lieder mit halbwegs zeitgenössischem Bezug sind Mangelware.  Popsongs der letzten 30 Jahre sind oft mit rezitativen Gesangsparts und schwieriger Rhythmik durchzogen, so dass ein annehmbares gemeinschaftliches musikalisches Erlebnis am Ende ausbleibt. Bei choralen Volksliedern stört der Text. Oldies haben nun auch schon 50 Jahre und mehr auf dem Buckel. Diejenigen, die deren Geist glaubhaft vermitteln können, gehen bald in Rente.

Doch um dieses Thema geht es mir nur am Rande. Es wird heutzutage deutlich weniger gesungen als vor hundert Jahren. Für diese Erkenntnis braucht es keine Studien. Die Folgen sind unter anderem ein sinkendes Einstiegsniveau im Instrumentalunterricht. Das bekomme ich mit und das bestätigen mir meine Kollegen. Umso erstaunlicher ist es aber, dass die praktischen  Inhalte des Musikunterrichtes an Schulen von einer gegenteiligen Entwicklung künden. Folgende Inhalte wurden mir in letzter Zeit von mehreren Schulen in Dresden berichtet:

1. Lied Leistungskontrolle - Mark Forster "Sowieso" - 4.Klasse Grundschule.
2. Lied Leistungskontrolle - Prinzen "Alles nur geklaut" - 5.Klasse Gymnasium.
3. Lied Leistungskontrolle - Wir sind Helden "Denkmal" - 7.Klasse Gymnasium.
4. Rhythmus- und Melodiediktate - Leistungskontrolle - 8.Klasse Gymnasium.
5. Dreistimmigen Satz entwerfen - Leistungskontrolle - 9.Klasse Gymnasium.
6. Gitarrenkurs - Liedbegleitung - 8 UE - 9.Klasse Gymnasium.
7. Lied singen und an Keyboard oder Gitarre begleiten - Leistungskontrolle - 10.Klasse Gymnasium.

Hut ab vor diesen Musiklehrern! 
Nehmen wir mal den Gitarrenkurs als erstes Beispiel. Kann sein, dass es ein freiwilliges Projekt ist, ganz genau weiß ich es nicht mehr. Aber ich habe die Begleit-Unterlagen gesehen. Sie bestanden aus 4 zusammenkopierten Blättern. Auf einem waren 16 Gitarrengriffe drauf. Ich weiß nicht, wie es Ihnen geht, liebe Gitarrenlehrer-Kollegen. Bei mir braucht ein Schüler im Durchschnitt ein Jahr, bis er die Grundakkorde der ersten Lage mit Achtel-Wechselschlag-Rhythmen sicher beherrscht und Lieder begleiten kann. In der Regel, ohne selber dazu zu singen. Denn es ist die Ausnahme, dass ein Schüler überhaupt die Neigung zum Mitsingen verspürt. 
Was mache ich falsch? Woher kommen meine Schüler? Wie schafft das ein Schulmusiker in wenigen Unterrichtseinheiten? 

Schön auch das Beispiel, bei dem sich (wohlgemerkt alle) Schüler einer ganz normalen 10. Klasse selber beim Singen begleiten sollten. Das Lied war gleich noch mit Synkopen gespickt - sonst wäre es ja zu einfach ;-) Den Fall habe ich deshalb verfolgt, weil die betreffende Schülerin mit mir das Stück geübt hat - merklich empört über die Schwierigkeit der Aufgabenstellung. Zu recht, denn ich muss ich gestehen, dass auch ich hätte bisschen üben müssen, wenn ich jetzt in jener Klasse wäre. Ich bin allerdings Berufsmusiker und müsste es noch besser können als der betreffende Lehrer, der Schulmusik studiert hat. Was bitte verlangt denn da der Lehrer vom ganz normalen 16-jährigen Schülern?

Das Problem liegt meiner Meinung nach tiefer als man denkt. Ich habe vor einer Weile mal einen Artikel von einem sogenannten Quereinsteiger gelesen. Es war ein Chemiker, der an Gymnasien Chemie und Physik unterrichtete. Nach einer Weile quittierte er den Schuldienst wieder, weil er mit dem Lehrplansystem nicht mehr klar kam. Er konnte nicht verstehen, dass die Schüler in der Praxis kaum Holz von Plastik unterscheiden können, aber im Unterricht Stoff aus dem ersten Chemiestudienjahr pauken, und zwar so, dass alles nach 4 Wochen wieder vergessen war.

Ich glaube, dass das allgemeine Schneller-Höher-Weiter längst auch in der Bildung angekommen ist. Das wäre gar nicht so schlimm, wenn es tatsächlich schneller, höher oder weiter ginge. Ich behaupte aber, dass die Qualität der Ausbildung unter dem Wachstumsdruck leidet. 
Stellen wir uns einfach einen Hochsprung-Trainer vor, der vom Training wenig Ahnung hat, wohl aber davon, die Latte immer höher zu legen. Nicht die Pädagogik sondern die Methode "Druck" führt zur höheren Leistung. Anstatt die Leistungsfähigkeit gezielt und systematisch zu verbessern, werden primär die Anforderungen erhöht und wenn nötig, Auslese betrieben. Das Schulsystem lädt dazu regelrecht ein. "Wir sind hier am Gymnasium, da kann man sowas verlangen."

Das einzige Bestreben der Schüler ist es, irgendwie über die höher gesetzte Latte zu kommen. Das ist eine Verzerrung des Bildungsgedankens. Das wird sich meiner Meinung nach rächen. Zum Beispiel darin, dass sich Schüler überfordert fühlen. Oder darin, dass die Schüler nicht mehr wissen, was sie wirklich wissen und können, was wiederum zu Selbstwertproblemen führt. Die Leistung wird unerklärlich, beinahe magisch. Für den Überflieger in positiver Weise, für den normalen Schüler negativ als Angst. 

Und warum bitte sollte ein ganz normaler Schüler ohne musikalisches Interesse einen dreistimmigen Satz am Keyboard (auf Zensur) komponieren müssen?  Da könnte ich auch einen Musiklehrer dazu verdonnern, mein Auto zu reparieren. Auf Zensur - versteht sich.
Und hat Mark Forster seinen Erfolg dem Umstand zu verdanken, dass seine Lieder so supereinfach sind, dass sie ein gewöhnlicher Viertklässler allein vor seiner Klasse darbieten kann. Ich glaube es nicht. Lügt sich da nicht jemand in die Tasche? Wie hält man das als Lehrer aus? Was kommt da wirklich am Ende heraus? Hat der Schüler wirklich etwas gelernt oder hat er nur gelernt, so zu tun als ob er etwas kann, nur weil er es mal gemacht hat?
Etwas einfaches gut können ist tausend mal besser als etwas schwieriges schlecht können. Mich erinnert das daran, dass ich früher manchmal Bücher gelesen, die meinen Intellekt überfordert haben. Ich habe nichts verstanden und nichts dabei gelernt. Ich habe mich aber gut und klug gefühlt. Ganz zu schweigen von Musikstücken, die weit über meinem Spielniveau lagen: "Was, Du spielst schon ... ?" Das sind sogenannte Potemkinsche Dörfer.

Mir scheint, dass das Prinzip "Latte-hoch-legen" nicht nur im Musikunterricht auf dem Vormarsch ist. Die gesamte höhere Bildung feilt meiner Meinung nach zu wenig an qualitätssichernden Methoden und erzwingt demgegenüber Leistungssteigerung zu sehr durch Normerhöhung. Es gipfelt dann im Studium darin, dass der Student für die Systematik des Wissenserwerbs selber zuständig ist und vom Professor im Nachhinein auf Fehler aufmerksam gemacht wird. 
Man könnte sagen: Je höher die Bildung, umso einfacher kann sich der Lehrer hinter der bloßen Leistungsforderung verstecken. Er betrachtet die Schüler kritisch, nicht aber seine Form der Lehre. Da die Schüler dem Druck der kritischen Betrachtung erlegen sind, mühen sie sich, die Leistung irgendwie zu erbringen. Deshalb fällt dem Lehrer nicht auf, dass seine Forderung eigentlich zu hoch ist und die Qualität der Ausbildung sinkt. Auf "Fake-Leistungen" kann man nicht aufbauen, denn sie sind nicht belastbar,. 

Fake-Leistungen sind leicht zu enttarnen, indem man Aufgabenstellungen abwandelt. Das tue ich ständig und entdecke immer wieder auch Lücken. Außerdem entwickle ich einen Lehrplan, bei dem der Schüler gezwungen wird, Dinge durch ständige und variierte Wiederholung - wenn nicht gleich, dann später - zu lernen. Das Ergebnis ist solides Können, dessen Niveau allerdings deutlich unter dem Schein-Niveau des Musikunterrichtes in der Schule liegt. 
Besser wäre es, wenn man in der Schule das gleiche machen würde. Anstelle von den oben genannten  überambitionierten Projekten, die am Ende eh nur den Spaß und das Interesse an der Musik durch Überforderung töten. 







Zu Hause hat es geklappt ...

Recht häufig wundern sich Schüler, warum sie im Unterricht schlechter spielen als zu Hause. Die Gründe dafür liegen nicht nur im Lampenfieber. Die Erfahrung des "Versagens" ist für die musikalische Entwicklung wichtig, sofern sie nicht zu sehr psychologisiert und damit vertieft wird. 

Eins vorneweg. Für einen live spielenden Musiker gibt es keine Entschuldigung, wenn etwas auf der Bühne nicht klappt. Es gilt dann als nicht gekonnt. Das ist wie beim Sportler: Die Leistung zählt im Wettkampf, nicht im Training. 
Kleine zufällige Fehler passieren immer, aber wenn etwas auf der Bühne schief läuft, dann ist es nicht perfekt genug. Jeder Musiker weiß, dass in der  Livesituation selten eine maximale Leistung erreicht wird. Man muss immer "drüberstehen"- also noch ein bisschen besser sein als das, was man spielt. Die Überzeugungskraft des Musikers ist wesentlich davon abhängig. 

Nicht wenige Schüler beklagen speziell im Anfangsunterricht, dass sie in der Gitarrenstunde nicht die Leistung von zu Hause abrufen können. Das geht soweit, dass gerade Erwachsene das für psychisch unnormal halten und regelrechte Komplexe entwickeln. Ich möchte das Psychologisieren aber unbedingt vermeiden, denn es überlagert die Freude an der Musik. Außerdem führt es bei grüblerischen Naturen zu einer Vertiefung des Problems. Deswegen sage ich den Schülern, dass der Verlust von Leistung in der Vorspielsituation im Unterricht ganz normal ist und folgende logische Gründe hat.

Vorspielsituation/ Angst/ Lampenfieber

Für den Schüler ist das Vorspielen im Unterricht die erste und lange auch einzige Bewährungssituation für das Erlernte. Wie gesagt - gerade bei Erwachsenen erlebe ich häufig, dass sie speziell die Situation des Alleinspielens als unangenehm empfinden. Sie machen sich mehr als Kinder Gedanken, was ich wohl von ihnen denke, wenn sie etwas nicht richtig können. Vor allem dann, wenn sie wirklich geübt haben. Die eigene negativ besetzte Denkweise führt zu noch mehr Anspannung als sie in jeder  Prüfungssituation sowieso schon ist. Das Adrenalin sorgt für Konzentration, doch meistens ist das Ziel der Konzentration auch die Angst vor dem Versagen. Unter Angst erhöht sich der Muskeltonus, unbewusst und unbemerkt. Allein das behindert die Bewegungen - ihre Präzision, die Flüssigkeit und die Schnelligkeit. Die nervlichen Prozesse sind auch betroffen - Übersicht, Ruhe, Erinnerung. Man kann an dem Problem der Prüfungsangst arbeiten. Vor allem kognitiv, indem man sich fragt, wovor man denn Angst hat. Denkt man die Kette der Gründe für Angst konsequent zu Ende, bleibt meistens nichts, was wirklich bedrohlich wäre. 

Ich als Lehrer versuche den Druck zu verringern, indem ich keine Perfektion verlange, sondern in erster Linie das "Dranbleiben" innerhalb des Stückes.

Andere Umgebung


Das musikalische Handwerk ist von einem Zusammenspiel von muskulären und nervlichen Prozessen gekennzeichnet. Diese Prozesse hängen durchaus auch von der Umgebung ab. Die Finger und der Kopf müssen präzise Arbeit leisten. Wenn dann z.B. die Koordinaten von Bewegungen an eine ungewohnte Spielsituation angepasst werden müssen, führt das schnell zur Konfusion. Beispiele: Die Fußbank ist bisschen höher oder der Sitz etwas niedriger, der Notenständer etwas höher oder etwas weiter links oder rechts. Eines von dem reicht,  und Fehler in den Abläufen werden wahrscheinlicher. Eine andere Umgebung bedeutet immer auch einen anderen Klang. Nichts ist irritierender als ein ungewohnter Klang seines Instrumentes. Sofern es nicht ein besserer Klang als der gewohnte ist, tritt ein unangenehmes Gefühl ein. Dies wird unterschätzt. 


Hat es zu Hause auf Anhieb geklappt?

Wenn man zu Hause geübt hat, erinnert man sich meist an den letzten Durchgang. Wenn dieser gut lief, dann bleibt in der Erinnerung verankert, dass es geklappt hat. Meist übt man auch so lange bis es geklappt hat. Im Unterricht allerdings zählt der erste Durchgang. Wenn es dann nicht klappt, wundert man sich, da es ja zu Hause geklappt hat. Man unterschlägt aber, dass es zur gleichen Zeit zu Hause möglicherweise beim ersten Mal auch nicht geklappt hätte. Man vergleicht also falsch. Ich erlebe oft, dass der First Take im Unterricht nicht der beste ist.


Selbsttäuschung

Viele Schüler sind nicht wirklich in der Lage, ihre Leistung genau zu kontrollieren wenn sie selber spielen. Man verzählt sich oder man spielt etwas falsches ohne es zu merken. In der Vorspielsituation, speziell in der, in der ich mitspiele, treten diese Fehler oder Unsicherheiten deutlich zu Tage. Sie können dann nicht plötzlich behoben werden und führen zu Verunsicherung sowie zu weiteren Fehlern. Zu solchen, die man zu Hause tatsächlich noch nicht gemacht hat. Aufgrund der Konzentration, die die Vorspielsituation fordert, werden die Fehler dann auch noch gelernt, so dass sie den Schüler vollends aus der Fassung bringen.

Instabile Phase/ Toter Punkt

Dieses Phänomen werden auch erfahrene Musiker an sich beobachten und ich werde dazu auch noch einen eigene Artikel schreiben. Innerhalb der Lern- und Übestufen eines Stückes kommt es an unterschiedlichen Stellen zu "toten Punkten", an denen man sich scheinbar zurück entwickelt und trotz Übens schlechter wird. Ich vergleiche das mit der Dramaturgie eines Hollywood-Films, bei dem meistens gegen Ende in der Handlung ein retardierendes Moment eintritt, an dem nichts mehr geht, der aber schließlich zum Happy End führt. Kurz vor einem Entwicklungsschritt scheint uns das Gehirn auf die Probe zu stellen und tut so, als ob es eigentlich gar nichts gelernt hat. Manchmal kann genau dieser Moment im Unterricht eintreten. Das ist gar nicht so schlecht, denn mit meiner Hilfe kann dieser Punkt noch besser überwunden werden.  


Die Pleite beim Vorspiel empfindet der Schüler als ungerecht. Aber er hat die eben genannten Faktoren unterschätzt.  Mit der Zeit lernt er das Prinzip kennen, kann sich selbst besser einschätzen und gewöhnt sich natürlich auch besser an die Unterrichtssituation.
Es gibt da so eine Faustregel: Was zu Hause dreimal hintereinander fehlerfrei klappt, das kann man auch in einer Vorspielsituation überzeugend abliefern. Dann auch mit weniger Versagensangst, vielleicht sogar mit einem gewissem Stolz über die eigene Leistung. Wer gut vorbereitet ist, braucht nichts zu befürchten. Das ist die allereinfachste Antwort auf die Frage, warum es im Unterricht nicht klappt, aber eben auch die für den Schüler unangenehmste.



Die 5 Wege des Lernens


Für mich gibt es 5 grundlegende Methoden des Übens bzw. Lernens, die man als Musiker in seiner eigenen Übepraxis oder als Lehrer in seiner Didaktik verwenden kann. Alle drei haben ihre jeweiligen Einsatzgebiete. Wer die Mechanismen kennt, kann sein Üben effektivieren.  

Wie übt man richtig? Auch hier gibt es bestimmt unzählige Wortmeldungen unter den Musikern und Musikpädagogen. Ich erlebe oft, dass sich gerade Erwachsene über Zeitmangel beklagen. "Ich konnte diese Woche nicht oder nur ganz wenig üben". Wie ich hier schon öfter erwähnt habe, bin ich die Gedanken darüber leid, ob und warum jemand nicht üben kann. Was ich nur machen kann, ist mit den Schülern im Unterricht zu üben. Das hat sogar Vorteile: Ich kann den Schülern erstens zeigen, wie effektives Üben geht. Zweitens sichere ich ab, dass sie nichts falsches lernen. Drittens erfahre ich etwas über die Wirksamkeit der Übemethoden und über die Lernpsychologie des Menschen. Für die Richtigkeit meiner Erkenntnisse ist das Üben zu Hause sogar nachteilig. Die nicht übenden Schüler befinden sich sozusagen in einer Laborsituation.

Das Musizieren auf einem Instrument besteht aus der Wiedergabe erlernter Bewegungsroutinen. Das Lernen besteht aus Informationsaufnahme und Vertiefung (durch Wiederholung). Wenn wir uns unser Gehirn wie ein Aufnahmegerät vorstellen, dann ist die Konzentration, die wir beim Lernen haben vergleichbar mit der Qualität unserer Aufnahme. Die zum Lernen nötige Konzentration erhöht sich durch Faktoren wie Freude, Stress- , Angst und Frustfreiheit sowie Belohnungserwartung. Aber auch durch Druck (Autorität/Publikum). Dies gilt sowohl für Aufnahme neuer Informationen wie auch für die Vertiefung von Erlerntem. Den Zustand der absoluten Konzentration auf eine Sache nennt man auch "Flow"-Effekt. Dieser Zustand ist ideal für das Üben.
Ich sehe 5 Wege, wie man üben und lernen. Ich ahbe ihnen zum Spaß englische Namen gegeben - klingt überzeugend und modern ;-)

1. Slow Down

Das unschlagbare Rezept um beachtliche Dinge vollbringen zu können.  Der Ablauf der Bewegung und der Steuerprozesse wird so weit in der Geschwindigkeit verringert, dass er schon beim ersten Mal richtig ausgeführt wird. Das Gehirn ist äußerst dankbar für Stressfreiheit und belohnt den Zustand der beschaulichen Wahrnehmung mit einem hohen Maß an Aufnahmefähigkeit. Eine über die Anzahl der Wiederholungen eingeübte Routine kann schließlich nach ein paar Tagen und Nächten immer schneller und immer unkonzentrierter ausgeführt werden.

So einfach und logisch dieses Prinzip auch erscheint, intuitiv macht es der Mensch eher anders. Intuitiv ist er ein Nachahmer. Er will gezeigtes nachmachen. Und zwar sofort. Beim Musizieren funktioniert das aber eher schlecht. Ich sage immer: Es gibt nichts was zu schwer ist, nur etwas, das zu schnell ist. Das Verlangsamen erfordert vom Schüler ein hohes Maß an Geduld, denn das Bedürfnis nach Klang wird infolge der verzerrten zeitlichen Wahrnehmung der Musik beim Langsamspielen nicht erfüllt. Der Schüler muss erstmal auf das klangliche Resultat warten. Ich sage dann aber immer, dass er darauf schon so lange gewartet hat, dass es jetzt auf die paar Tage auch nicht mehr ankommt. 
Um mal ein klassisches Beispiel herauszugreifen: Finger/Folk-Picking. Daran hat man erst in einer bestimmten Geschwindigkeit wirklich Spaß. Um den aber tatsächlich irgendwann zu haben, muss man sehr geduldig und genau und langsam üben. Die gute Nachricht ist jedoch, dass die über die Routinierung gelernten Fähigkeiten bei allen so gearteten Stücken später bereits zur Verfügung stehen. Die meisten Routinen sind universal verwendbar. Ein mit dem "Slow Down Prinzip" erkämpfter Lernschritt ist manchmal sogar automatisch mit einer magischen Verbesserung in anderen Bereichen verbunden. Ich glaube manchmal, dass ich mich dadurch verbessern kann, einfachste Übungen der Schüler ganz langsam mitzuspielen. 

Umgedreht ist das Spielen an der Leistungsgrenze regelrecht gefährlich, weil man allzu schnell seine Ungenauigkeiten, den Stress und die Fehler kultiviert, anstatt die Qualität von Timing und Bewegung zu erhöhen. 
Dem Schüler speziell am Anfang die Langsamkeit anzugewöhnen ist schwer. Der Schüler will alles gleich können: Weil er ambitioniert ist oder weil er genial sein will oder weil er Angst hat, schlecht zu sein oder weil er ein Leben mit hohem Tempo lebt. Wenn Musikpädagogen das Prinzip der langsamen Beschaulichkeit, der Sorgfalt und der absoluten Stressfreiheit vermitteln können, dann könnten sie auch auf Rezept der Krankenkassen arbeiten - Modewort: Achtsamkeit. Dann nämlich haben sie die heilende Wirkung von Yoga oder ähnlichem vermittelt. Nur dass es beim Yoga niemanden gibt, der außer dem Yogi was davon hat. Das ist bei Musik anders. Musik macht auch denen Freude, die sie hören.
Verlangsamen, bewusst machen, Freude am Detail haben und geduldig wiederholen - wer das über einen längeren Zeitraum macht, wird immer einen Gewinn erzielen. Nicht nur beim Musizieren.

2. Easy Steps

Nun gut, man könnte sagen: Es gibt alltägliche Fähigkeiten, die wir nur in bestimmten Mindestgeschwindigkeiten tun können: Z.B. Fahrradfahren oder Sprechen. Auch beim Gitarrespielen gibt es Techniken, die umso schwerer oder gar unmöglich werden, je langsamer man sie ausführt: Z.B. Slides und Bendings. Demzufolge gibt es auch noch eine weitere Übeform, die eben genau nicht auf die Verklangsamung eines Prozesses abzielt, sondern auf die Vereinfachung. 
Meist handelt es sich um eine schrittweise Vereinfachung, oder - von unten gesehen - eine schrittweise Verkomplizierung. Ein leicht zu verstehendes Beispiel wäre ein Akkordschema, das man in der ersten Schwierigkeitsstufe vielleicht erstmal nur mit Ganzen Noten, dann mit Halben und dann mit Vierteln usw. schrittweise erlernt. Der Vorteil der Vereinfachung liegt darin, dass die klangliche Erfahrung auf der jeweiligen Übestufe attraktiver ist, als wenn man die Akkordfolge z.B. im Zielrhythmus verlangsamt. Diese Übemethode hilft gerade bei der Liedbegleitung. Man kann ein Lied von Anfang an mitsingen.
Der Nachteil dieser Methode ist, dass für jede Übestufe ein eigener "Bewegungsfilm" im Gehirn erstellt werden muss. Die Routinen sind auf dem jeweiligen Niveau zwar einfach, dafür aber insgesamt zahlreicher.
Im Melodiespiel wären Vereinfachungen z.B. durch das Weglassen von Verzierungen möglich. Wobei man auch da bemerken muss, dass man dann in gewisser Weise doppelt übt. Das kann insofern problematisch sein, dass das Gehirn an bestimmten Stellen ungewiss ist, welcher Ablauf zu welcher Übevariante gehört, was sich in unerklärlichen Fehlern äußern kann. Manchmal gehört zu einer bestimmten Technik ein bestimmter Fingersatz, der anders ausgeführt keinen Sinn macht.
Es ist am Ende  eine Frage der Abwägung, ob das Mittel der Vereinfachung zur Effektivität beiträgt oder eher nicht. Musikpädagogisch wird es von mir gern zur Motivation eingesetzt. Es steigert die Motivation, wenn der klangliche Erfolg in Bezug auf Zielgeschwindigkeiten von Anfang an da ist. Lieber auf einem niedrigeren Level perfekt als auf einem höheren Level fehlerhaft und klanglich unbefriedigend.
Das Klettern auf Stufen scheint zudem einen gewisses Ehrgeizbonus heraus zu kitzeln. Der Schüler freut sich über den kleinen Schritt genauso wie über den großen. Das Einrichten von Schwierigkeitsstufen ist wie eine Treppe, die einen großen unüberwindbaren Höhenunterschied in mehrere kleine überwindbare aufteilt.

3. Compression

Schwierigkeiten sind gerade über längere Stücke gesehen meist nicht gleichmäßig verteilt. Oft sind es ein paar Stellen, die Probleme bereiten. Oft kann man die Probleme klar benennen. Wegen ein paar Stellen ein ganzes Stück ganz langsam zu spielen, macht keinen Sinn. Es gibt zwei Möglichkeiten, das Üben zu komprimieren. Entweder man übt Ausschnitte - meist in Taktschleifen - oder man denkt sich kleine Übungen aus, die die Schwierigkeit einer oder mehrerer Stellen auf kleinem Raum zusammenfassen. 
Die erste Form ist sehr geläufig, aber eben auch mit einem klassischen Problem behaftet, das wohl jeder Musiker kennt: Man übt eine Stelle und sie klappt. Dann spielt man das ganze Stück und die Stelle klappt plötzlich wieder genauso wenig wie vorher. Der Grund liegt hier m.E. in den Verknüpfungsmechanismen unseres Gehirns. Wir müssen uns die einzeln geübte Stelle wie eine neue Datei auf unserer imaginären Gehirn-Festplatte vorstellen. Diese neue Datei muss sozusagen in das Projekt neu eingebunden werden, denn im Projekt wird noch die alte fehlerhafte Datei verwendet. Diese Verknüpfung passiert über einen "Ping", der rechtzeitig vor jener Stelle im Kopf gesetzt werden muss. Wir müssen während des Spielens daran denken, die neue Datei aufzurufen, das mehrfach wiederholen und erst dann ist tatsächlich der Erfolg zu beobachten.
Wenn der Schüler z.B. eine neue Technik oder einen neuen Akkord erlernt, dann bieten sich immer komprimierte Vorübungen an, in denen der Schüler seine ganze Konzentration nur auf das Problem richten kann. Er darf nicht zusätzlich durch andere musikalische Linien abgelenkt werden. Man kann seine Konzentration nicht auf mehrere Dinge gleichzeitig lenken. Einen schwierigen Rhythmus lernt man besser, wenn man die Akkordwechsel weg lässt. Akkordwechsel lernt man besser mit einfachem Rhythmus. Mit kleinen Spezialübungen kann man zudem die Übedichte - also die Anzahl richtiger Wiederholungen - erhöhen. Statt aller 4 Takte den Akkord zu wechseln, wechselt man auf jedem Viertel o.ä..
Wenn ich aus Erfahrung die Problemstellen eines Stückes kenne, lasse ich komprimierte Übungen mit diesen Stellen schon üben, bevor das Stück überhaupt in Angriff genommen wird. Der Vorlauf lässt diese Stellen dann wiederum nicht so schwer erscheinen. Die Wahrscheinlichkeit, dass Angst mit diesen Stellen verbunden wird, ist damit geringer und das ist immer von Vorteil.

4. Just do it
 
Das könnte man übersetzen mit: "Egal wie Du es machst, Hauptsache Du machst es.". Es gibt Menschen, die Probleme haben, strukturiert zu lernen. Ihnen liegt es mehr, selber Entdeckungen zu machen. Im Gitarrenunterricht sind das recht anstrengende Schüler. Aber in der Praxis setzen sich diese Macher meist besser durch. Es einfach irgendwie zu machen, ist ineffektiv. Aber viele Musiker üben die meiste Zeit nicht effektiv, werden aber  trotzdem besser. Sie spielen das, was sie sowieso schon können bzw. spielen etwas, das sie eigentlich nicht können, so, als ob sie es können. Oder sie improvisieren und experimentieren ohne sich um die Wirksamkeit des Übens zu kümmern.. Dies trifft auch auf Autodidakten zu. 
Diese Art des Übens ist bezogen auf die Übezeit sehr ineffektiv. Da aber dieses Üben immer mit Lust und Freude verbunden ist, wird es oft und lange gemacht - und zeigt Resultate. Für den Fortschritt ist hierbei die Anzahl sehr vieler Wiederholungen verantwortlich, verbunden mit dabei zufällig auftretenden Veränderungen, die sich als Verbesserung herausstellen. Im Grunde ist das eine Analogie zum Try-and-Error der Evolution in der Natur.

5. Pressure

Mir ist an mir selber aufgefallen, dass Belastungsproben wie Aufnahmen oder Konzerte oft im Nachhinein zu einem fühlbaren Fortschritt führen. Der Druck, eine bestimmte Leistung abzurufen, schafft Konzentration. Diese Konzentration wirkt wie ein Aufnahmeverstärker und zeigt Wirkung, sofern die erforderliche Leistung halbwegs richtig ausgeführt wird und die eigene Leistungsfähigkeit nicht deutlich übersteigt.

Wie jeder Gitarrenlehrer habe ich Schüler, die zu Hause kaum bis gar nicht üben. Mit ihnen bleibt mir nichts anderes übrig, als im Unterricht zu üben. Dieses Üben ist für die Schüler unter anderem auch deswegen so effektiv, weil meine Anwesenheit den Druck verstärkt und damit mehr Konzentration schafft.
Ich habe auch Schüler, die einen großen Unterscheid beklagen zwischen dem , was sie zu Hause schon können, und dem, was sie im Unterricht zustande bringen. Diesen Schülern empfehle ich, mir zur nächsten Stunde ein mit dem Smartphone aufgenommenes Überesultat mitzubringen. Ich erwarte dabei folgende Wirkung: Die Konzentration bei der Aufnahme führt zur Übeeffektverstärkung. Sehr wahrscheinlich kann der Schüler dann auch im Unterricht genau jene Leistung abrufen. Natürlich auch im beruhigenden Wissen, den Beweis schon vorher erbracht zu haben - aber dennoch: Das Aufnehmen ist eine Form des effektiven Lernens.
Und prinzipiell lädt diese Form des Lernens dazu ein, soviele Bewährungssituationen zu suchen wie nur möglich: Spielen, spielen, nochmals spielen.  


Ich denke, man kann in seiner Unterrichts- und Lehrplangestaltung mit diesen 5 Lernmethoden  kreativ umgehen. Jede Methode hat Vor- und Nachteile und ideale Anwendungsgebiete. Jeder Schüler hat, meist als Bestandteil seines Charakters bevorzugte Lernmethoden. Dennoch sollte jedem Schüler die 5 Wege nahe gebracht werden. 




Was ist musikalisches Talent?

Bin ich musikalisch talentiert? Die Frage stellen sich viele bereits, bevor sie mit dem Gitarrelernen beginnen. Doch was ist eigentlich genau das musikalische Talent? Ich bin der Meinung, dass es DAS musikalische Talent gar nicht gibt, sondern Teilbegabungen bzw. Eigenschaften, die sich zu einer mehr oder weniger günstigen Mischung vereinigen.  

Auch diesem Beitrag muss ich voranstellen, dass mir für eine wissenschaftliche Beschäftigung mit dem Thema "Musikalisches Talent" die Zeit und die Lust fehlen, selbstverständlich auch der Sachverstand. Ich spreche nur aus Erfahrung - in Verbindung mit ein wenig Denkarbeit.
Es gibt nicht DAS Musiktalent. Schon allein weil es auch nicht DIE Musik gibt. Das Musizieren und das erfolgreiche Musizieren vor Publikum ist ein Prozess, der sich aus vielen Aspekten zusammensetzt. All diese Aspekte erfordern spezifische Fähigkeiten und Eigenschaften. Von einer Begabung spricht man, wenn einerseits bestimmte Fähigkeiten bereits vorhanden sind oder wenn andererseits eine überdurchschnittliche Lerngeschwindigkeit in Bezug auf diese Fähigkeiten vorhanden ist. Das erste ist in vielen Fällen die Folge des zweiten, aber es gibt halt auch Fähigkeiten, die auf angeborenen Faktoren beruhen.
Ich habe insgesamt 10 Talente herausgefunden, die sich in Summe auf den Erfolg einer musikalischen Ausbildung bzw. eine Karriere auswirken. Ich gebe diesen Talenten keine Gewichtung, denn Defizite in dem einen oder anderen Bereich können kompensiert werden. Die Reihenfolge ist willkürlich festgelegt.

Gehör - Klangvorstellung - Intonation

Einerseits ist das Gehör trainierbar. Andererseits gibt es Menschen, die von Natur aus entweder ein sehr feines Gehör besitzen bzw. starke Assoziationsmechanismen, die ein besseres akustisches Gedächtnis ermöglichen. Ein absolutes Gehör ist die Folge eines guten Klanggedächtnisses. Akustische Reize prägen sich stark ein und vereinfachen nicht nur die Reproduktion von Gehörtem sondern auch die Identifikation und Beurteilung von Klängen. Dies wiederum wirkt sich positiv auf die Klangerzeugung und die Intonation aus. 
Viele Hobbymusiker hören ihre Fehler nicht und können sie daher von selbst nicht abstellen. Menschen mit einem guten Gehör produzieren einen guten Klang, denn schlechter Klang tut ihnen weh. Dennoch ist das Gehör kein Allheilmittel, so wie es speziell in der klassischen Musik manchmal dargestellt wird.

Rhythmusgefühl - Klangvorstellung - Timing

Meiner Meinung nach wird Rhythmusgefühl in der gegenwärtigen Musikausbildung untergewichtet. Jeder Musiker ist für mich ein Schlagzeuger, nur dass er mit Fingern trommelt. Unsere klassische Kunstmusiktradition hat uns auf eine falsche Fährte gelockt. Sie suggeriert, dass Timing nicht so wichtig wie Klang ist. Und das ist möglicherweise so, weil sich die Kunstmusik zur "Sitz- und Hörmusik" entwickelt hat, die auf einen passiven Zuhörer setzt. Das ist keine Wertung, aber in Bezug auf die musikalische Ausbildung ist für mich Rhythmus das Thema Nummer 1. 
Wenn wir es ganz genau nehmen, ist jeder Klang letztlich auch nur der Rhythmus einer Amplitude. Ich behaupte, dass rhythmische Muster einer Klangvorstellung bedürfen, die in unserem Sprachzentrum angesiedelt ist. Rhythmus wird mit Bewegung erzeugt, aber genau wie Sprache in die Zukunft gedacht. Rhythmus hat etwas mit der Gegenwartserfahrung zu tun. Rhythmusgefühl bedeutet einerseits, eine Vorstellung von einer rhythmischen Abfolge zu haben, so wie man eine Vorstellung von der Aussprache eines Wortes hat - und zum anderen bedeutet es, seine Bewegungen soweit zu lockern, dass der Körper in die Schwingung eines Timings gerät. Also in Resonanz.
Wer ein gutes Rhythmusgefühl besitzt oder erwirbt, kann mit Worten, Geräuschen oder mit einem Fingerschnipsen Musik machen.

Feinmotorik - Schnelligkeit - Virtuosität

In der Spitze sind Musiker meist Virtuosen. Virtuosität ist mehr als nur Schnelligkeit, aber ich denke, dass es genauso wie im Sport Menschen gibt, die bestimmte Bewegungsabläufe schneller und genauer ausführen können als andere. Hierbei spielt die Abspeicherung von Bewegungsroutinen eine Rolle sowie die körperlichen (nervlichen) Voraussetzungen für schnelle und genaue Bewegungen. 
Ich wette, dass ein Sprinter eine motorische Begabung hat, die er auch auf einem Instrument ausleben könnte. Denn beim Sprint entscheiden nicht allein die Muskeln über den Sieg sondern der optimale Bewegungsablauf, welcher dann eine maximale Wiederholungsrate ermöglicht.
Man kann ohne jegliche Begabung in puncto Gehör oder Rhythmus schnelle Läufe auf der Gitarre spielen. Ich habe das bei Rockgitarristen öfter beobachtet.

Ausdruck - Emotion - Charisma - Imitation

Es gibt Menschen, die verfügen über eine überdurchschnittlich starke Fähigkeit, andere Menschen in ihren Bann zu ziehen. Zum einen gehört dazu eine Portion der sogenannten emotionalen Intelligenz dazu. Gemeint ist die Fähigkeit, die eigene Wirkung auf andere sowie deren Gefühle in Situationen einschätzen zu können. Zum anderen gehört dazu die Fähigkeit zur Ausdrucksstärke. Man könnte von einem schauspielerischen Talent sprechen. Musik hat immer etwas mit Emotionen zu tun. Ein Klang allein wirkt emotional. Wer allerdings gut in der Lage ist, die Emotionalität eines Klanges zu unterstreichen, sei es mit musikalischen oder theatralischen Mitteln, der kann Leute mehr begeistern als ein nüchterner Darbieter der allerhöchsten Kunstfertigkeit..

Kreativität - Individualität - Originalität - Fantasie

Und es gibt Menschen, die einen überdurchschnittlichen Sinn für Außergewöhnliches haben. Sie sind anders als andere, meist weil sie anders sein und sich abheben  wollen. Das ist sicher verbunden mit dem Wunsch nach Aufmerksamkeit aber eben auch mit der Gefahr Missgunst zu ernten. Manche können nicht anders, manche wollen nicht anders. Um in der sehr reichen Musikwelt aufzufallen, scheint diese Begabung von Vorteil zu sein. Kreativität heißt, neues zu schaffen. Nirgendwo ist das Neue so wichtig wie in der Popmusik. Neu heißt dabei immer auch "anders". Nicht völlig anders, aber eben individuell bzw. originell. Ein Musiker, der Dinge anders macht als andere und der eigensinnig und fantasievoll ist, hat einen großen Vorteil. Manche Künstler möchten auf Brücken laufen, die hinter ihnen einstürzen, damit ihnen niemand folgen kann.

Intelligenz - Gedächtnis - Kombination - Rekombination

Als Lehrer weiß man, dass Kinder mit schlechteren schulischen Leistungen meist auch schlechtere musikschulische Leistungen haben. Es gibt hier Ausnahmen, speziell wenn schlechte schulische Leistungen ihre Ursache nicht in mangelnder Intelligenz haben. Es gibt aber (leider) den Zusammenhang zwischen Intelligenz, Elternhaus und musikalischer Leistung. Für viele Anforderungen beim Musizieren brauchen wir ein halbwegs gutes Gedächtnis. Es hilft ungemein, wenn man sich Notennamen, Griffe, Skalen, Formen usw. schnell und gut merken kann. Es hilft, wenn man Schemen, logische Zusammenhänge und Komplexität schneller erkennt.   
Angeblich gibt es den Effekt, dass Musik die Intelligenz erhöht. Meiner Meinung hängt das damit zusammen, dass Musik die Intelligenz fordert.

Leidenschaft - Lust - Freude - Motivation 

Ich hatte eingangs erwähnt, dass es keine Gewichtung in den Talentaspekten gibt, aber hier würde ich dann doch sagen: Die Leidenschaft und die Freude an der Musik ist der Faktor, der vielleicht am meisten über die musikalische Leistungsfähigkeit entscheidet. Warum? Mit Leidenschaft und Freude wird man sämtliche Defizite in den anderen Bereichen reduzieren können. Weil man durch Lust und Motivation am Ball bleibt und die Qualität Stück für Stück größer wird. Wer keine besonders große Freude am Musizieren empfindet, kann begabt sein, wie er will - ihm wird die nötige Praxis fehlen. Mein Lehrer hat gesagt: Schweißer wird man vom Schweißen. Pat Metheny hat gesagt, dass ein guter Musiker irgendwann Zeiten gehabt haben muss, in denen er 7 Stunden am Tag gespielt hat. Ohne außerordentliche Freude am Klang macht man das nicht. 

Fleiß - Ehrfurcht - Geduld - Disziplin


So sehr die Lust und die Leidenschaft zum Musizieren notwendig ist: Es gibt viele Momente im Leben des ambitionierten Musikers, wo Frust einkehrt und das schnelle menschliche Belohnungssystem zur Motivation nicht ausreicht. Hier sind Primärtugenden wie Fleiß und Disziplin gefragt. Genau in diesen Phasen steigen viele durchaus fähige Musiker aus. Schüler hören auf zu üben. Eine Abwärtsspirale kommt in Gang, in der mangelnde Erfolgserlebnisse die Lust verringern. Wie heißt es immer: Das Talent ist die 1 und der Fleiß sind die Nullen dahinter. Ich bezeichne Fleiß ebenfalls als Talent, denn nachgewiesenermaßen gibt es Menschen, denen es besser als anderen gelingt, das Belohnungssystem a la long zu stellen und Dinge zu tun, von denen erst langfristig eine Belohnung zu erwarten ist. Zusätzlich habe ich unter diesem Punkt noch das Wort Ehrfurcht als Synonym für die Anerkennung von Autoritäten genannt. Nicht immer, aber oft zahlt es sich aus, den Rat von Leuten zu befolgen, die vieles besser wissen als man selbst. 

Schicksal - Psyche - Kompensation 


Ein Ansporn unseres Tuns liegt durchaus in der Absicht, geliebt, geehrt und geachtet zu werden. Menschen, die aus unterschiedlichsten Gründen ein Problem mit mangelnder Liebe, Selbstliebe oder Selbstwertgefühl haben, haben unter Umständen ein Talent zur Kompensation. Das heißt, dass sie sich Tätigkeiten suchen, mit denen sie ihr Selbstwertgefühl steigern können bzw. dass sie sich Tätigkeiten suchen, in denen sie ein Gefühl von Glück finden, das ihnen im normalen Leben verwehrt ist. Für viele Künstler waren psychische und biografische Probleme ausschlaggebend für ihre ganz besondere Anstrengung und Vertiefung in die jeweilige Materie. Kunst, und hier Musik im Besonderen, wird nicht umsonst als Therapieform genutzt. Kunst ist ein Rückzugsgebiet für Menschen, denen das Glück auf normalem Wege nicht recht gelingen mag. Beziehungsprobleme, Verhaltensprobleme und Anomalien schaffen eine gewisse Isolation, die dazu führen kann, viel Zeit mit sich und der Kunst zu verbringen. 

Menschliche Reife - Tugend

Dieser Punkt ist mir erst eingefallen, als ich dachte, dass es nur 9 Talente gibt. Menschliche Reife ist kein Talent, sondern eigentlich nur mit Lebenserfahrung zu erreichen. Es gibt aber junge Menschen, die auf ihre Art äußerst ausgeglichen und beinahe weise erscheinen. Kinder mit außergewöhnlichen musikalischen Leistungen wirken oft viel reifer als ihre Altersgenossen. Sie interessieren sich für andere Dinge als Gleichaltrige. Das Bild vom kaspernden Mozart ist eine Verzerrung. 
Dennoch interessieren mich die Darbietungen von Kinderstars kaum, auch wenn ich oft staune. Eine Meisterleistung baut für mich auf einem menschlichen Reifeprozess auf. Große Künstler benötigen Lebenserfahrung, die sie tugendhaft und reif werden lässt. Musik ist Informations- und Energieübertragung. Wer in seinem Leben keine Erkenntnis gewinnt, der wird auch wenig übertragen können. Manche Kinderstars reifen nicht aus, weil ihr Lebensweg ganz anders verläuft, als es für einen echten Meister nötig ist. Sie werden früh  verheizt. Sie geraten in zu schwere Krisen. Ihr Innenleben hinkt ihren musikalischen Laufbahn hinterher und fordert irgendwann seinen Preis.


Man erlebt häufig, dass die als große Talente gehandelten Musiker meist in allen Disziplinen ähnlich begabt sind. Dies ist der Grund, warum viele das musikalische Talent für eine Art Monolith halten. Tatsächlich aber wird jeder Musiker in den 10 genannten Punkten etwas finden, das bei ihm nicht oder nur wenig zutrifft.
Viele Menschen werden entmutigt zu musizieren, weil ihnen andere das Talent absprechen, obwohl sie gar nicht wissen, wovon sie genau reden. Der pauschale Verweis auf das musikalische Talent ist mit der Unfähigkeit verbunden, ein präzises Urteil abzugeben - sowohl positiv als auch negativ.